Ultimamente si pubblicano sempre più spesso libri che trattano de “La filosofia di (…)” qualsiasi cosa – tra le prime opere di questo filone ricordo lo splendido Winnie Pooh e la filosofia: da Platone a Popper di John Tyerman Williams, dove era evidente una nota (fortemente) ironica, poi misteriosamente scomparsa nelle successive opere dello stesso genere, che paiono prendersi piuttosto sul serio (nel goffo tentativo di nascondere gli interessi meramente economici dei loro autori). E allora ecco a voi

La filosofia dei Teletubbies

Avvertenza: prima di procedere con la lettura è vivamente consigliata la visione, per almeno due ore, di uno stesso episodio, onde raggiungere il grado necessario di competenza ed estraniamento mentale. Il breve video che segue NON è in alcun modo da considerarsi sostitutivo di tale dolorosa e imprescindibile visione (perchè, comunque, la filosofia non è per tutti!)

I teletubbies sono 4. Fatto importante, che viene ripetutamente sottolineato, all’inizio di ogni episodio, al grido di “Sììì 4!”. Il numero 4 nell’oroscopo numerologico indica persone metodiche, pigre e lente, pratiche e costanti, nella cabala corrisponde al maiale (‘o puorco), mentre, nella simbologia esoterica è il numero dei 4 elementi (e, quindi, della natura), nonché dei punti cardinali (e, quindi, dell’ordine che l’uomo impone alla natura) – insomma: porci, natura, artificio, pigrizia e costanza. Tutti elementi che, come ormai vi sarà chiaro dopo le vostre due ore (MINIMO) di visione, sono centrali nella struttura narrativa della serie – anche se non sarà di certo sfuggita una citazione volutamente distorta di Vita in comune di Kafka (dove gli amici in effetti erano 5, ma, se consideriamo anche Noo-noo – o Nu-nu – i conti tornano).

La natura. I teletubbies vivono “sulle alte colline non molto lontano” (chiara minaccia ed avvertimento a guardarsi le spalle, perché potrebbero essere dietro l’angolo, ai margini delle nostre città); immersi nel verde (anche se il tempo normalmente è piuttosto nuvoloso), circondati da coniglietti (che stranamente non si vedono mai accoppiarsi tra loro, ci torneremo), da fiori che parlano (poco e male), e perennemente sorvegliati da un sole con la faccia da bambino tedesco che emette gorgoglii ipnotici.

Ma la natura è accompagnata da tecnologia (e, quindi, artificio) in un rapporto solo superficialmente equilibrato ed armonico. La casetta dei teletubbies (perfettamente mimetizzata nella collina, per evidenti ragioni di tattica bellica) è totalmente automatizzata, a partire dalle porte, fino alle macchine per la pappa e i toast (invero, non sempre funzionanti).

L’unico altro essere pensante (ma, già lo so, il punto potrebbe essere controverso) è il già citato Noo-noo – o Nu-nu – un aspirapolvere azzurro che ricorda vagamente un elefante e che svolge mansioni servili in un rapporto di totale sottomissione, solo sporadicamente compensato da “tante coccole”.

E’ dubbio se Nu-nu simbolizzi la tecnologia che serve l’uomo (come vorrebbe l’ipotesi più benevola), oppure entrambi i genitori (o solo quello affidatario), o, ancora, lo schiavo buono, il diverso (Nu-nu non è un teletubbies) che, in quanto diverso, viene relegato a servire, e il cui ruolo, per quanto fondamentale nell’economia del sistema (Nu-nu fa i letti e pulisce), non viene in alcun modo riconosciuto (i teletubbies sono 4!, non c’è posto per il Nu-nu).

Le ultime due ipotesi, probabilmente, sono le più fondate e, in effetti, non si escludono a vicenda. Anche perché la tecnologia non è affatto asservita ai teletubbies, come testimoniano non solo le frequenti rivolte delle macchine (dei toast e della pappa), ma anche gli inquietanti tubi che lacerano l’erba del terreno per cantare filastrocche lisergiche e, soprattutto, per scandire la giornata dei teletubbies – spedendoli a letto o, meglio, nel buco, quando è l’ora. Insomma, nonostante le apparenze, sono le macchine a comandare.

I teletubbies sono pigri – non solo non fanno quasi nulla per tutto il giorno (è il Nu-nu che fa tutto il lavoro) e passano il tempo a salutarsi tra loro, ma quel poco che fanno non lo fanno per loro libera scelta, bensì perché una misteriosa voce (Dio? Satana?) glielo ordina. Avrete certamente notato che la voce narra le azioni dei teletubbies impiegando l’imperfetto prima che queste azioni si compiano (“Laa-Laa apriva la porta” dice la voce prima che Laa-Laa apra davvero la porta). Non c’è spazio per il libero arbitrio a teletubbylandia e questo non perché tutto sia già deciso, bensì per pura ignavia.

Sulla costanza non vi intratterrò a lungo: se avete visto anche molto meno delle due ore (vivamente) consigliate, saprete già che i teletubbies devono sempre fare la stessa cosa tutti e quattro in sequenza, ci volesse mezz’ora per aprire e chiudere per quattro volte una porta.

Passiamo quindi al tema più controverso: sono porci i teletubbies?

Nella versione inglese non è esplicito che i teletubbies abbiano sesso, tuttavia:

Laa-Laa (quella gialla) è sicuramente una femmina e Dipsy (quello verde acido) è sicuramente una maschio (come evidenziato dal simbolo fallico che gli sovrasta il capo) e sicuramente abusa di droghe sintetiche.

Po, chissà perché, nella versione italiana è una femmina (forse perché il suo monopattino, oltre che azzurro, è rosa?).

Tinky Winky avrebbe tranquillamente potuto essere una femmina (gira con una borsetta rossa!), ma invece in Italia l’hanno fatto maschio – e lo stesso deve essere accaduto in Polonia, visto che nel 2007 la parlamentare polacca Ewa Sowinska, deputata del partito cattolico conservatore Lega delle famiglie polacche ha accusato Tinky Winky di diffondere l’omosessualità.

Ma il sesso dei teletubbies non è in alcun modo importante, benché gli esserini si scambino in continuazione “tante coccole”, nessuno, se non un cattolico polacco, potrebbe scambiare questi abbracci e bacetti per effusioni sessuali. A ben vedere è proprio questa l’oscenità dei teletubbies: questa totale rimozione della sessualità che è presente proprio nella sua assenza, nella forma di un pensiero costante dello stesso spettatore (ma perché i coniglietti non si accoppiano mai?)

Questa analisi può, forse, contribuire a chiarire, almeno in parte, il disagio degli adulti di fronte a questa serie tv infantile: predominio dispotico della tecnologia, oscenità sessuale e, soprattutto, totale assenza di libertà – il Nu-Nu è schiavo dei teletubbies, i teletubbies sono schiavi dei tubi e della Voce, i genitori sono schiavi dei loro figli che li costringono a guardare per un tempo che pare interminabile questi noiosissimi episodi.

Ma molte altre questioni restano irrisolte: ad esempio, che rapporto c’è tra i tubi e la voce? E la girandola, che ha la chiara funzione di sottolineare ogni evento ed ogni cambiamento di piano narrativo, è l’alter ego della voce, dei tubi o di entrambi? E perché all’improvviso appaiono sulle pancette tonde dei teletubbies dei bambini urlanti in giornate uggiose e fredde (quando è chiaro che tutti i nostri figli detestano queste svolte narrative)?

Into the Wild (2007), regia di Sean Pen

D’accordo: le scelte di regia sono talvolta discutibili (come la divisione in due o tre parti dello schermo o la scrittura del protagonista che compare sopra le immagini), il film è un tripudio di buoni sentimenti, dove domina una visione ottimistica dell’umanità, e ci sono perfino accenni a dio – eppure mi è piaciuto tantissimo.
La fotografia (di Eric Gautier) è spettacolare, la storia commuovente e mai scontata, e tutto il film è un inno ad una concezione estrema e anticonvenzionale della libertà.

Tratto dal libro Nelle terre estreme di Jon Krakauer e ispirato ad una storia vera, Into the Wild racconta le vicende di Christopher McCandless (interpretato da Emile Hirsch), un ragazzo di 23 anni che, dopo essersi diplomato al College, decide di abbandonare tutto (il suo nome, la sua famiglia, i soldi, la carriera), per inseguire la vita e l’avventura lontano dalle costrizioni sociali, inesorabilmente attratto dalla natura selvaggia e solitaria dell’Alaska.
Il film rende bene la personalità complessa di Chris (ribattezzatosi e rinato ‘Alexander Supertramp’): un giovane in cerca di se stesso, ma anche in fuga dalla famiglia, ossessionato dall’ossessione di una meta, “senza mai un pensiero non al denaro, non all’amore, nè al cielo“.
Non so se abbia davvero trovato nelle terre estreme quello che cercava – l’impressione piuttosto è che il cercare fosse già la meta.

Bellissima la colonna sonora ed estremamente convincente l’interpretazione di Emile Hirsch (candidato al Golden Globe 2008).

Uscita dal cinema, Milano sembrava davvero opprimente.

Basta, non ne posso più!

Sarebbe ora che tutti gli appassionati di cinema iniziassero incessantemente a lamentarsi e a creare un serio movimento di opinione contro la pessima abitudine italiana di doppiare i film stranieri (o, per lo meno, certi film).

Per rendersi conto di quanto sia ridicolo, di quanto possa rovinare un film, è sufficiente guardare un’opera italiana (o anche inglese) doppiata in un’altra lingua straniera (ad esempio in spagnolo): raccapricciante! Mi vengono ancora i brividi al ricordo di Marcello Mastroianni doppiato in castigliano in La dolce vita o di Julia Roberts che parla catalano in My best friend’s wedding.

Come minimo il doppiaggio distorce la recitazione, rendendo il pubblico incapace di valutare appieno le prestazioni degli attori. E spesso i suoi effetti sono ancora più deleteri.
Due esempi eclatanti.

Babel di Alejandro González Iñárritu. Qui il titolo “parla” da solo: Babel, cioè una babele di culture, di punti di vista, ma anche di lingue (inglese, arabo, spagnolo e giapponese). Una varietà e una confusione di idiomi che, nella versione nostrana, sono andate completamente distrutte, ridicolizzate da doppiatori italiani che tentavano confusamente di scimmiottare l’accento arabo o spagnolo (in quest’ultimo caso mi è sembrato addirittura che lo si facesse con una cadenza veneta).

Il recente Ai confini del Paradiso (Yaşamın Kıyısında) di Fatih Akin: una storia ambientata tra Germania e Turchia, con immigrati turchi di prima e seconda generazione che parlano più o meno agevolmente tedesco e turco. Anche in questo caso l’eterogeneità e le difficoltà linguistiche, che costituiscono una parte integrante della trama, sono completamente perse nel doppiaggio italiano – ma, per lo meno, i doppiatori non si sono cimentati in ardue imitazioni dell’accento turco.
Peraltro il concetto di ‘Paradiso’ non ha nulla a che fare con la storia così come non ha nulla a che fare con il titolo che, in lingua originale, significa Dall’altra parte. Del resto storpiare i titoli di Fatih Akin è ormai un’abitudine: basti pensare che Gegen die Wand, ossia Contro il muro, è stato distribuito in Italia col titolo La sposa turca!
Ricordo, all’uscita del cinema, un signore un pò perplesso “Mi aspettavo tutt’altro genere di film – diceva – credevo fosse una commediola”

O, ancora, Philip Seymour Hoffman ha studiato a fondo il peculiare modo di parlare di Truman Capote per la sua interpretazione in Truman Capote – In cold blood – uno sforzo artistico che gli spettatori italiani non hanno certo potuto apprezzare.

E ancora: pare che Angelina Jolie per sostenere il ruolo di Mariane Pearl in A mighty Heart, abbia studiato per mesi l’accento della giornatista francese – la doppiatrice, invece, ogni tanto l’accento lo esaspera e ogni tanto se ne dimentica del tutto.

E gli esempi potrebbero moltiplicarsi, ancora, ancora e ancora.

A favore del doppiaggio si sostiene spesso che la distribuzione in lingua originale diminuirebbe sensibilmente i profitti cinematografici, che la maggioranza del pubblico non andrebbe mai a vedere un film non doppiato. Ma forse in Francia si va meno al cinema che in Italia? No, anzi, è vero il contrario.

Certo, le prime volte leggere i sottotitoli può risultare faticoso: ma poi ci si abitua. Senza parlare del fatto che la visione di film in lingua originale potrebbe aiutare a supplire ai noti problemi di noi italiani nel maneggiare gli idiomi stranieri.
Nulla poi vieta un doppio circuito di distribuzione: sia in lingua originale sia con doppiaggio.

Ma ciò richiederebbe uno sforzo che le case distributrici italiane (notoriamente miopi ed inefficienti) non sembrano disposte a compiere e lederebbe gli interessi della lobby dei doppiatori professionisti.

Tutti gli anni il mio amico Matteo Z. assegna il libro d’oro, ossia stabilisce qual’è il libro più bello che ha letto quell’anno.
Dal momento che ne ho sempre tratto degli utilissimi consigli per la lettura, ho deciso di pubblicare il suo commento al libro d’oro di quest’anno, seguito dall’albo d’oro, ossia dalla classifica generale dal 1992 ad oggi.

Buona lettura a tutti!

Prima di annunciare il vincitore un ricordo per Ryszard Kapuscinski straordinario giornalista e scrittore polacco scomparso nel 2007. I suoi libri sull’ Africa (Ebano ha vinto l’edizione 2000 di questo premio), sulle Repubbliche Sovietiche, sull’Iran sono dei capolavori di giornalismo vero e vissuto. Consiglio a tutti In viaggio con Erodoto che ho letto quest’anno e che e’ un vero e proprio manifesto del suo modo di intendere la vita e la professione di giornalista.

Il mio oscar al miglior libro letto nel 2007 va a Infedele di Ayaan Hirsi Ali.
E’ un’autobiografia di straordinaria potenza e crudeltà ma anche di grande intelligenza in cui l’autrice narra il viaggio della sua vita dalla Somalia natia all’Olanda, in cui verrà eletta in Parlamento, attraverso Arabia Saudita, Kenya, Etiopia e della sua presa di coscienza dei diritti individuali inalienabili di ogni donna e di ogni persona negati da altri uomini, dalla famiglia, dalla società, dalla religione, dall’idea stessa di dio.
E’ un’opera appassionante ed illuminante, importantissima per la mia evoluzione personale e non esito a metterla sullo stesso piano dell’autobiografia di Nelson Mandela.

Solo per queste ragioni non posso premiare un altro libro meraviglioso che ho avuto il piacere di leggere quest’anno: Gente indipendente, il capolavoro del nobel islandese Halldor Laxness.

Infine, citazioni per il sempiterno ed inesauribile Simenon (La maison du canal – ambientato nella campagna fiamminga e’ un vero capolavoro di belgitudine) per Lansdale che continua ad appassionarmi anche nella sua versione piu’ horror (La ragazza dal cuore d’acciaio; il valzer dell’orrore) e Fred Vargas maestra del noir.
Un’altra delusione (La pioggia prima che cada) invece da uno scrittore che ho amato tantissimo quale Jonathan Coe.

Ecco l’albo d’oro :

• • 1992 Cien años de soledad – G. Garcia Marquez
    1993 Confieso que he vivido – P. Neruda
    1994 La guerra dei poveri – N. Revelli
    1995 Il lungo cammino verso la liberta’ – N. Mandela
    1996 Il libro dell’inquietudine – F. Pessoa
    1997 Las venas abiertas de America Latina – E. Galeano
    1998 L’idiota – F. Dostoievskij
    1999 La conquista dell’America – T. Todorov
    2000 Ebano – R. Kapuscinsky
    2001 Le particelle elementari – M. Houellebecq
    2002 La famiglia Winshaw – J. Coe
    2003 Pedigree – G. Simenon
    2004 Aspettando i barbari – J.M. Coetzee
    2005 Le correzioni – J. Franzen
    2006 Le fate dell’inverno – S.Mannuzzu
    2007 Infedele – Ayaan Hirsi Ali.

    Sull’Infedele segnalo anche questa recensione
    

Resident Evil (2002), regia di Paul W.S. Anderson
Resident Evil: Apocalypse (2004), regia di Alexander Witt
Resident Evil: Exinction (2007), regia di Russell Mulcahy

La trilogia di Resident Evil è tutto quello che ci si aspetta da un ciclo di film
ispirato a un videogame: azione, suspense, effetti speciali, combattimenti à La Tigre e il dragone (o à la Kill Bill, o à la Hero, insomma un genere ormai visto e rivisto), con una splendida e splendidamente (s)vestita Milla Jovovich.
Eppure questi tre film sono ben lontani dai classici stereotipi hollywoodiani: soprattutto grazie ad una sceneggiatura – scritta sempre da Paul W.S. Anderson – per molti versi anticonformista.

In un futuro imprecisato, ma verosimilmente vicino, la Umbrella Corporation è la multinazionale più potente al mondo e, cosa ignota ai più, trae la maggior parte dei suoi profitti dalla creazione e dalla vendita di armi chimiche e biologiche.
Sotto la città di Raccoon City ha sede uno dei laboratori segreti della Umbrella, denominato l’Alverare. A seguito di un sabotaggio, un pericoloso virus si diffonde in questa struttura sotterranea e il computer centrale (la Regina) stermina tutto il personale, al fine di evitare il propagarsi del contagio.
Una squadra di soccorso della Umbrella, recuperati gli unici due sopravvissuti, gli agenti adetti a proteggere l’entrata segreta dell’Alveare, penetra nel laboratorio e si trova di fronte ad un esercito di morti viventi: è l’effetto del micidiale virus-T, che dopo aver causato la morte rianima i tessuti, trasformando chi ne è contagiato, in una sorta di zombie.
Solo Alice (Milla Jovovich) e Matt (un attivista no-global) uscirranno vivi dall’Alveare, ma entrambi saranno catturati dagli agenti della Umbrella, che li useranno come cavie per i loro esperimenti.

La trama presenta forti somiglianze con 28 giorni dopo (di Danny Boyle), la scena finale del primo episodio di Resident Evil è praticamente identica alla scena iniziale del film di Boyle – da un lato Alice che, risvegliatasi in una clinica della Umbrella, si ritrova in una Rancoon City devastata e deserta, dall’altro Jim (Cilliam Murphy) che, risvegliatosi dal coma in ospedale, si ritrova in una Londra parimenti devastata e deserta – ma è impossibile stabilire chi abbia copiato chi, visto che i film sono entrambi del 2002.

In Resident Evil: Apocalypse il virus si è ormai propagato in tutta Raccoon City: lo spettatore si aspetterebbe un intervento governativo, in perfetta sintonia coi classici film catastrofici statunitensi, dove c’è sempre un polizziotto buono, un presidente buono, un sindaco buono o un qualche altro buon p.u. che prende in mano la situazione. Invece sono i funzionari della Umbrella, che isolano la città e la mettono in quarantena. In tutti e tre gli episodi le istituzione statali sono pressoché assenti: tutto è gestito dalla potentissima multinazionale, che agisce solo secondo la logica del proprio profitto.

Certo, nel secondo episodio compaiono più squadre di agenti S.T.A.R.S. (Special Tactics and Rescue Service), tra cui Jill Valentine (Sienna Guillory), protagonista anche del videogame, ma anch’essi sono pedine dell’Umbrella Corporation, che, non solo non esita ad abbandonarli nella città infestata e destinata alla detonazione nucleare, ma li impiega come cavie per testare i risultati del progetto Nemesi – che consiste nell’infettare essere umani col virus-T per svilupparne la forza.
Alla fine Alice, che, a seguito degli esperimenti condotti su di lei, ha acquisito poteri sovraumani (ma, particolare non secondario, unica tra tutti i contagiati dal virus-T, non si è trasformata in un mostro) riuscirà a salvarsi, insieme all’agente Carlos Olivera (Oded Fehr) e a Jill Valentine, mentre la Umbrella farò esplodere il suo ordigno nucleare, sterminando tutta la popolazione di Raccon City – purtroppo inutilmente.

Dopo l’apocalisse, l’estinzione. Se l’ambientazione del primo episodio ricordava Alien 2 (di James Cameron), e quella del secondo Fuga da New York (di John Carpenter), il terzo è un omaggio diretto a Mad Max (di George Miller e Georgie Ogilvie) – anzi, pare difficile trovare un’altra giustificazione plausibile per l’avvenuta desertificazione del pianeta Terra, dal momento che il virus-T non sembrava agire sugli organismi vegetali nè tanto meno sul clima.

I pochi esseri umani superstiti si sono riuniti in carovane e si muovono di continuo per evitare gli attacchi degli zombie, col costante incubo di rimanere a secco di benzina.
Alice, che ha acquisito anche poteri psionici, è braccata dagli scienziati della Umbrella (da uno in particolare, il dr. Isaacs) che, rinchiusi nei loro laboratori, sono impegnati nella propria autoconservazione e, parrebbe, nella ricerca di un vacino – ma, per la verità, fin dal primo episodio si evince che un vaccino esiste già, solo che sembrerebbe scarsamente efficace (o, forse, efficace solo se assunto tempestivamente, ma il punto resta oscuro).

La trilogia si chiude con una speranza, anzi con due. Forse in Alaska esiste un presidio umano lontano da ogni rischio di contagio – Claire Redfield e un’altra superstite del convoglio da lei guidato partono in elicottero nella speranza di raggiungerlo – e Alice, alla guida di un esercito di sue cloni (opera del dr. Isaacs, che tentava di duplicare gli straordinari poteri della bella eroina), si appresta a dare la caccia ai dirigenti della Umbrella.

Intendiamoci, non siamo di fronte ad un capolavoro: la trama è spesso pasticciata, i caratteri dei personaggi sono essenziali, i dialoghi a dir poco scarni ed è tutto un’esplosione di cervelli ed effetti speciali.
Eppure sembra comunque apprezzabile la critica espressa, tutt’altro che sottile, alla globalizzazione – se non altro perché è l’ultima cosa che ci si aspetterebbe da questo genere di film.

Al di là dello specchio del benessere, Alice ci conduce in un paese degli orrori, dove le multinazionali imperano, governano le nostre vite e decidono la nostra morte, creando armi biologiche che desertificano il pianeta, trasformano gli animali (i cani, ma anche gli uccelli, in una scena che è un omaggio diretto a Hitchcock) in mostri pericolosi e, soprattutto, riducono gli esseri umani a zombie affamati – George Romero, benché non citato direttamente, rappresenta un punto di riferimento costante di tutta la narrazione.
Memorabile la scena di Las Vegas dove tutti i simboli della cultura e dell’arte occidentale sono ridotti a decadenti strutture di cartapesta, vuoti simulacri di una civiltà scomparsa.

Un altro elemento interessante è rappresentato dal fatto che, nei tre film, i personaggi carismatici, i capi della resistenza, sono sempre donne (Alice, Jill Valentine, Claire Redfield) – ciò si addice perfettamente alla logica manicheista del film: se la globalizzazione è un fenomeno essenzialmente maschile, perchè sono per lo più uomini i potenti della terra, la lotta contro di essa deve essere per lo più femminile.
Certo gli eroi uomini non mancano, ma non sono loro a guidare i superstiti e alla fine muoiono, in modo valoroso, ma muoiono – del resto ‘i buoni’ in questi film muoiono quasi tutti (nel primo se ne salvano solo due, nel secondo e nel terzo solo tre), ed anche questo è un aspetto originale: la guerra contro i poteri economici miete molte vittime e non è necessariamente destinata alla vittoria.

Tra le tante morti una in particolare merita di essere menzionata, forse una delle più belle scene di Extiction. Oltre al problema di zombie e carburante, i superstiti sono anche in preda a crisi di astinenza da nicotina, ma di sigarette non se ne trova. Carlos Olivera (Oded Fehr) si lancia in un’impresa suicida per dare una via di scampo ai suoi compagni: mentre il suo camion, rovesciato su un fianco, è assalito dagli zombie e lui sta per farsi saltare in aria, vede uno spinello sotto il sedile e se l’accende con un beato sorriso di gioia, mentre va incontro alla morte.
Questa è l’unica scena in cui si vede qualcuno fumare. Vi sembra un fatto da niente? Provate a guardare un qualsiasi film, statunitense o europeo, facendo caso a quante sigarette vengono accese. Una o due come minimo. Chi credete che paghi per queste scene? Almeno, in Resident Evil quella accessa non era affatto una sigaretta.

“Vi ho insegnato a mentire,
barare, rubare
e appena volto le spalle vi mettete in fila?!?“
G. House, II.10

Come per l’impareggiabile Winnie Puh e la filosofia: da Platone a Popper di J. Tyerman Williams o il più recente I Simpson e la filosofia,
anche alla base de La filosofia del Dr. House vi è un’idea semplice e geniale:
non tanto quella di avvicinare le persone alla filosofia (impresa ardua e un pò naïf),
quanto quella di avvicinare la filosofia alla gente,
ossia di mettere alla prova le categorie filosofiche, di saggiarne la capacità esplicativa,
attraverso l’analisi di un oggetto, di un tema, preciso e notorio.

E il tentativo può dirsi pienamente riuscito: i quattro saggi,
più o meno brillanti, più o meno divertenti, sono tutti chiari e ben argomentati,
nelle loro premesse e nelle loro conclusioni.
I 4 ricercatori raccolti sotto il nome colletivo di Blitris esaminano
nell’ordine: l’iper-etica di House, l’etica (deontologica o consequenzialista?) di House,
la sua epistemologia (in che senso House sa quello che gli altri non sanno?) e
la sua logica.

Mi è parso particolarmente perspicuo il primo saggio -
non che gli altri non siano convincenti, al contrario, ma per lo più
si limitano ad indagare House attraverso categorie generali,
che potrebbero essere applicate a qualsiasi oggetto -
così ci si potrebbe chiedere:
l’etica di Batman è deontologica o consequenzialista?
in che senso Perry Mason sa quello che gli altri non sanno?
qual’è la logica degli investigatori di Law and order?.

In L’iper-etica di House, Blitris1 (Regazzoni) analizza, invece,
la specifica etica che House ha,
o, meglio, l’etica (l’iper-etica) che House è,
e giunge a paragonarlo addirittura al Singolo di Kierkegaard, al soggetto
“che risponde ad una sola cosa: all’ingiunzione di un dovere assoluto
come dovere che lo lega all’altro assoluto
in quanto altro nella sua singolarità” (p. 25).

Per House conta solo salvare quel suo unico paziente
e a questo dovere assoluto sacrifica ogni altro dovere etico,
e, pertanto, ogni altro soggetto, ogni altra persona cui l’etica (generale e universalizzabile)
imporrebbe di rispondere nello stesso modo (p. 43).
L’iper-etica di House è l’etica “della situazione e della risposta singolare” (p. 40)
e ciò implica anche che il momento della decisione,
il momento in cui House deve decidere che fare,
non sia regolato, ma sia sempre un gesto di follia (p. 41).
(tra parentesi: se questa fosse una recensione seria,
sarebbe interessante indagare i margini di
in/compatibilità tra questa tesi e quelle relative all’etica consequenzialista,
benchè non sempre coerente, di House e alla sua logica).

La tesi di Blitris1 è brillante e supportata da valide ragioni;
eppure c’è un aspetto che non mi persuade del tutto, o, meglio,
mi pare plausibile anche un’altra diversa interpretazione.

Ad House, lo sappiamo, i pazienti non interessano,
ad House interessano solo le malattie:
House vuole fare quello che fa meglio, sciogliere la diagnosi, risolvere il caso
- anche se la diagnosi è mortale, anche se la malattia è incurabile,
House vince comunque.
Questo sembra essere il dovere iper-etico cui House sacrifica tutto il resto:
non salvare il paziente, ma risolvere il caso.
L’altro assoluto non è un “altro”, un essere umano nella sua singolarità,
semmai è quel caso singolo, ma un caso che vale in quanto permette
ad House di fare ciò che House sa fare,
l’unico fine che la sua iper-etica gli impone: risolvere il caso.
Il dovere iper-etico assoluto alla fine lega House soltanto a se stesso,
in una relazione autoreferenziale e narcisista.

Ovviamente, that’s all folk

Non c’è niente da dire:
gli americani i serial tv li sanno proprio fare, e il dr. House è uno dei loro prodotti migliori.
Un montaggio incalzante, ma non frenetico, una fotografia curata,
una regia che miscela sapientemente suspense,
dialoghi serrati, umorismo e momenti introspettivi (a sfondo musicale),
ripetendo in infinite variazioni la stessa struttura narrativa -
le puntate seguono tutte lo stesso schema, cosa che, evidentemente, risponde alle preferenze del pubblico, almeno secondo verosimili studi di settore -
insomma, la morfologia di House svela l’abitudinarietà (e la pigrizia mentale) dello spettatore televisivo medio, semmai ce ne fosse stato bisogno.

Il punto forte della serie è, indubbiamente, il soggetto.
Il personaggio di House ha chiari riferimenti letterari: Sherlock Holmes, innanzitutto,
ma anche l’Achab di Melville (citato in almeno due puntate).

Come Holmes, House è un genio dell’abduzione, l’arte di formulare ipotesi esplicative – qualcosa di molto simile al tirare a indovinare.
Come Holmes, House è un tossicomane, morfina in un caso, Vicodin nell’altro – sempre antidoloriferi, ma la differenza non è irrilevante, perchè la morfina si inietta per via endovenosa – decisamente troppo forte, anche in seconda serata!
La dipendenza dalla droga è una cifra di entrambi i personaggi:
ne sottolinea l’umanità tragica, il dolore esistenziale, prima che fisico.

Come Achab, House è zoppo e ossessiosanato da un’idea, una missione:
uccidere Moby Dick -
ma la Moby Dick di House è un’oggetto oscuro, di difficile individuazione:
risolvere il caso, certo, ma il caso è sempre diverso e arriva sempre un caso nuovo,
la caccia prosegue sempre, la meta è irraggiungibile.

Eppure, più che un personaggio letterario, Greg House mi ricorda un eroe dei fumetti:
i suoi tratti caratteristici sono così marcati da renderlo irreale e i cambiamenti in lui sono sempre minimi e per lo più esteriori (chitarra nuova, bastone nuovo).
House è il cavaliere oscuro, il genio cinico e maledetto, che porta impressa sulla carne i segni della sua diversità.
Un eroe anti-convenzionale che non vuole salvare il mondo e nemmeno i suoi pazienti,
ma vuole solo esercitare il suo dono, fare quello che sa fare meglio e che, più di ogni cosa, lo connota come Greg House – come qualcuno gli fa notare, un tipo così stronzo non potrebbe certo lavorare, se non fosse davvero bravo.

“Tu non ti piaci, ma ti ammiri” – gli dice Wilson (il grillo parlante).
House è infelice, ma fedele a se stessso. E a noi piace proprio perché è integro
nel suo essere Greg House (cinico ed egocentrico, fino in fondo) ed è disperato in questa sua integrità:
la prima caratteristica ne fa un supereroe, la seconda un supereroe-umano.

Non esageriamo, però, la carica anti-conformista del prodotto televisivo:
il dr. House, alla fine, esprime una morale assolutamente convenzionale, perfino nei tratti in cui è anti-conformista.
Certo, House è un tossico che non rispetta il protocollo e ignora le regole, ma alla fine ha ragione e salva (quasi sempre) i pazienti – ed è tollerato dalla Cuddy nella misura in cui ha ragione, ed è frenato dal buon senso di tutti gli altri personaggi che gli fanno da solerte contrappunto, tranquillizzando gli spettatori sulla morale dominante.
I momenti di buonismo, inoltre, non mancano certo nel serial, e capita spesso che perfino House giunga a stabilire contatti umani e affettivi con pazienti e colleghi – svelando così il suo lato umano – momenti imbarazzanti, a dire il vero, come la scena del bacio con la sua ex, un vero scivolone, a mio giudizio.
Del resto il prodotto è confezionato per piacere a tutti, gli autori son persone che sanno fare il loro mestiore. O almeno lo sapevano fare.

Al riguardo, ho iniziato a vedere la serie IV e sono davvero perplessa:
ho come l’impressione che gli autori abbiamo esaurito le energie creative e si stiano scrivendo addosso.
House comincia a dare preoccupanti segni di squilibrio psichico:
si veste da stregone, seleziona i suoi assistenti in modo totalmente arbitrario -
li caccia per un nonnulla, ma poi tiene un’aspirante che ha causato la morte di un paziente,
perché sa che non farà più lo stesso errore (sic!) -
si procura un arresto cardiaco per scoprire se c’è qualcosa dopo la morte – gli era venuto un dubbio…
Inoltre mi pare che la serie stia prendendo un’insopportabile piega mistica.
Speriamo che rinsaviscano.